Festival Internacional de Cine de Edimburgo: reseñas de Mary y Max, White Lightnin’ y A Boy Called Dad

Daniel revisa tres películas más que se proyectarán en Edimburgo. Y no ha tenido un mal día…

Mi segundo día en Edimburgo es el día en el que todo comienza: los equipos de filmación se arremolinan, la alfombra roja está siendo aspirada y las tres proyecciones de Away We Go esta noche están agotadas. Lo único que amenaza con desanimar el ambiente aquí es el tiempo, que ha sido deprimente en su mayor parte, pero siempre hay una buena manera de evitar la lluvia: ¡ir a ver películas tanto como sea posible!

Fue esta mentalidad la que me llevó a ver a las 9 am la proyección de Mary And Max, el largometraje debut de Adam Elliott, el hombre detrás del cortometraje ganador del Oscar Harvie Krumpet (puedes encontrarlo aquí en YouTube si deseas verlo). .

Basada en una historia real, Mary And Max detalla una relación de por vida entre dos amigos por correspondencia poco probables: la colegiala australiana Mary y el obeso neoyorquino Max. Mary es objeto de burlas en la escuela, es infeliz en casa y odia su apariencia, especialmente su marca de nacimiento “caca marrón”; Max sufre del síndrome de Asperger, sufre frecuentes ataques de pánico y realiza una sucesión de trabajos que nunca parecen satisfacerle. Posiblemente no pueda haber ninguna conexión entre estos dos personajes, pero juntos forman una amistad para toda la vida.

La película de Elliott está animada con cariño, y el detalle de la animación con plastilina es algo que probablemente se subestimará en la primera visualización, probablemente porque Elliott constantemente hace que parezca muy fácil. Estructuralmente, Mary And Max es una película engañosamente simple: la niña escribe una carta, el hombre responde, repite, pero con los parámetros establecidos, abundan los adornos visuales: cambia entre el tecnicolor completo y el gris sombrío, la animación tradicional en 2D, por ejemplo. La historia es más fuerte cuando se centra en lo anecdótico, simplemente porque te familiariza con los personajes mientras te quitas los calcetines, y cuando la comunicación entre los personajes se rompe en el tercer acto, la película comienza a desbordar su bienvenida. Pero como animación visualmente emocionante y hilarantemente cruel (pero dulce), la película de Elliott da en el clavo.

Ahora, no tenía idea de qué esperar de White Lightnin’, el debut del director de publicidad Dominic Murphy y escrito por los fundadores de la revista Vice, Shane Smith y Eddy Moretti. El catálogo del EIFF lo llama una “película biográfica de fantasía” inspirada en la vida del bailarín de las montañas Apalaches Jesco White (quédate conmigo aquí) con los bosques de Croacia duplicando los bosques de Virginia. Jesco (Edward Hogg de Brothers Of The Head) se mete en todo tipo de líos cuando era niño, y por “líos” me refiero a la ‘adicción a esnifar gasolina y líquido para encendedores y a apuñalar a los delincuentes jóvenes’. Para salvar su alma, sigue los pasos de su padre como bailarín de montaña y se aloja con una mujer mayor casada llamada Cilla (Carrie Fisher, en serio), pero el diablo siempre está a la vuelta de la esquina…

White Lightnin’ ya ha dividido a la crítica y al público por igual en Berlín y Sundance a principios de este año, y puedo ver por qué: por un lado, es una película biográfica musical de ensueño febril que abandona las limitaciones del género para seguir libremente a su musa sucia, y por otro , es una resurrección incoherente de todo un tropo de estereotipos campesinos. Francamente, estoy dividido entre ambos lados. Para bien o para mal, la película ciertamente está escrita por Moretti y Smith, y los problemas que tengo con Vicemagazine están aquí: una actitud más moderna que tú, uso gratuito de la ironía consciente de sí mismo (Jesco a Cilla: “Pareces como una especie de mooovie staaaar“) y la fetichización de la pobreza. Aún así, los cambios tonales extremos de la película nunca se sienten forzados, y la banda sonora convierte el rockabilly acelerado en cantos fúnebres, lo que combina perfectamente con las imágenes granuladas pero hermosas que se muestran. Ah, y Edward Hogg es (perdón por mi francés) intenso como la mierda en todo momento. Me sorprendería mucho que no se presentara como un serio candidato al premio PPG del festival a la mejor interpretación. Una película biográfica absolutamente loca del estilo gótico sureño. Me sentiré muy decepcionado si veo algo durante el resto del festival que siquiera refleje a White Lightnin’. Lo cual, seamos realistas, no va a suceder.

Mi entusiasmo, procedente de la proyección de White Lightnin’, fue desperdiciado por A Boy Called Dad, de Brian Percival, una película de realismo social con relevancia sacada de los titulares: Robbie (Kyle Ward), de 14 años, se convierte en padre. incluso cuando su propia relación con su padre está, en el mejor de los casos, fracturada. Sin saber por dónde empezar, la película de Percival nos muestra el nacimiento del niño, luego el encuentro casual de Robbie con su padre (Ian Hart) y luego un vínculo de calidad entre padre e hijo a través del poder del montaje. Lo que le falta a la película en originalidad o, bueno, sutileza, lo compensa de corazón, con las actuaciones de Hart y Ward compensando los fallos del guión. Al menos por un tiempo. Y entonces sale un arma, destruyendo cualquier concepto de realismo, y Robbie se escapa con el bebé.

A Boy Called Dad nos pide que confiemos demasiado en él, que confíemos en él para recorrer con dificultad los mismos clichés de, diablos, la Nueva Ola británica (ciudades en ruinas, niños mayores de lo que merecen ser, marcos de ‘las mujeres están haciendo todo mal’). mental), confiar en él para insultar nuestra inteligencia (Robbie, que proviene de un entorno estable, debe ser el único adolescente en Gran Bretaña sin un teléfono móvil), confiar en él para dar cuerpo a una serie de fallas generacionales entre una serie de los padres que, francamente, no está a la altura. En el clímax ridículo (¡con policía armada presente y un salto al borde del acantilado!), es suficiente para hacerte perder algo de fe en la versión británica del realismo cinematográfico. No es horrible: los recién llegados Ward y Charlene McKenna son prometedores, y Percival sabe cómo encuadrar una bonita toma, pero esta película “realista” de repente me ha vuelto muy cauteloso para la proyección de mañana de Fish Tank.

En una nota más ligera, estoy bastante seguro de que Jeremy Renner de The Hurt Locker está en la barra central de delegados, así que voy a actuar como un fanboy. El estreno de Away We Go es esta noche; leerás algo al respecto de mi parte o de mi colega escritor de DOG, Carl, así que vuelve mañana para conocer algunas ideas sobre la noche de apertura, así como sobre Fish Tank de Andrea Arnold, la impresión restaurada digitalmente. de Los zapatos rojos de Michael Powell y la muy, muy intrigante La tierra de Van Diemen.

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