La columna de Ingrid Pitt: películas de los años 50

La leyenda de Hammer Horror, Ingrid Pitt, recuerda con alegría innovaciones como el 3D, Cinerama y guiones muy buenos. No se puede superar los años 50…

Vi Bad Day At Blackrock en la caja. No es el mejor medio para ver una película de Cinemascope a menos que seas lo suficientemente rico como para tener un televisor de 50 pulgadas. Es un poderoso recordatorio de cuán poderosas llegaron a ser las imágenes en movimiento en la década de 1950. Fue el momento en que los escritores comenzaron a afectar la forma en que nos veíamos a nosotros mismos. Los estadounidenses con un cierto examen de conciencia, los británicos con una exhibición de cine frugal y autocrítico y el resto del mundo tratando de dejar una huella en una industria que ya estaba cosida en el idioma inglés.

Las películas de los años cincuenta todavía tienen resonancia hoy en día. Muchos de los temas estaban firmemente anclados en acontecimientos en movimiento mundial. Una mirada más arrogante a lo que sucedió en la reciente guerra mundial y lo que significó el resultado para el futuro. También hubo una nueva ola de escapismo con extravagantes musicales de Hollywood y costosos dramas de época robados de la Biblia. Hollywood estaba teniendo su propia guerra interna. El costoso sistema de estudio para hacer películas contra las tácticas guerrilleras de la rápida libertad de los independientes. Una guerra que los estudios estaban destinados a perder.

Independientemente de lo que sucediera en la pantalla, la escena política parecía por momentos aún más dramáticamente emocionante. El senador Joseph McCarthy acaparó los titulares internacionales mientras llevaba a cabo una histérica caza de brujas contra cualquiera que considerara culpable de pensamientos y acciones antiestadounidenses. Lo sorprendente fue que, en la tan aclamada “tierra de los libres”, cualquiera que tuviera problemas con el malévolo senador de Wisconsin podría ser incluido en la lista negra y arruinado de por vida con la evidencia más endeble. Los tiempos turbulentos parecieron inspirar a los escritores de Hollywood a producir algunos de los mejores guiones jamás llevados a la pantalla.

Fue en los años cincuenta cuando el cine se enfrentó a su mayor amenaza: la televisión. Antes de eso, los magnates de los estudios habían descartado la amenaza como basura y enterraron sus cabezas colectivas en la arena. Por fin estaban despertando a la posibilidad muy real de que estaban a punto de unirse al dinosaurio. Buscaron una respuesta tardía y, en 1952, se les ocurrió Cinerama. El truco aquí consistió en filmar la escena con tres cámaras simultáneamente y luego colocarlas una al lado de la otra en una pantalla enorme. Apenas se podían ver las uniones que afirmaban. El primero fue una suerte de tráiler de lo que estaba por venir, Esto es Cinerama (1952). El mejor fue Cómo se ganó Occidente, pero no llegó hasta principios de los años sesenta. En ese momento Cinerama había sido emboscado por todo tipo de estafadores, siendo PanaVision uno de los más ocupados.

Aún buscando alguna manera de despegar a la audiencia del fetiche de la pantalla chica, el 3D salió a relucir y se desempolvó. Se había utilizado como una curiosidad menor desde que William Friese-Greene lo demostró en 1890, pero ahora había regresado a lo grande. Se hicieron muchas películas, pero el fastidio de tener que usar gafas de cartón que sirven para todos resultó ser demasiado para el cinéfilo común y corriente. Hubo algunas películas notables en el camino. Parece que principalmente en 1953. Fue divertido esquivar la pelota de ping-pong y otros equipos que aparecían en la pantalla en La Casa de Cera. La tercera dimensión aumentó la sensación de participación en Vino del espacio exterior y estuviste completamente involucrado en los primeros planos de Kiss Me Kate.

Otra cosa que las Indias no podían igualar en ese momento eran los exóticos lugares extranjeros. Ya no era aceptable disparar contra una pantalla trasera verde y añadir la decoración más tarde. Ahora el público, cuando lo levantaban del sofá y se le negaban las frecuentes ‘pausas para el té’, quería ver la realidad. Si fuera Roma, querían ver a la deliciosa Audrey Hepburn besándose junto a la auténtica Tres monedas en la fuente. Tenía que ser Hong Kong para los acordes vertiginosos de Love Is A Many Splendored Thing mientras William Holden y Jennifer Jones armaban su propia versión de Madame Butterfly y sólo Japón serviría para la emoción ganadora del Oscar de Marlon Brando en Sayonara (sin el adiós) – en pantalla ancha.

20th Century Fox fue la primera compañía en rodar un largometraje importante en Cinemascope. El final se tituló Cómo casarse con un millonario (1953), seis meses antes de que se terminara The Robe (1953), pero se perdió en la prisa por ser el primero en ser lanzado al público agradecido. Pronto CinemaScope fue el lugar donde todo sucedía y las grandes casas productoras se metieron con películas como 20.000 leguas de viaje submarino (1954), Ha nacido una estrella (1954), La dama y el vagabundo (1955) e incluso se inclinaron por los dibujos animados con Señor Magoo (1954).

Había muchos otros filmando para la pantalla panorámica y durante un tiempo el cine se mantuvo firme frente a los televisores en blanco y negro de 14 pulgadas. The New Medium también fomenta el esplendor de producciones musicales de alto nivel como An American In Paris y Singing In The Rain, entre otras de igual calidad. Fred Astaire, después de anunciar su retiro en 1946, no pudo resistir la llamada de los pies danzantes y se puso su chistera y su corbata blanca para regresar a la pantalla. El debate en ese momento era si el chico nuevo, Gene Kelly, era mejor que Astaire. El consenso de opinión fue que Kelly era “más musculoso”.

También fue la época en la que las grandes estrellas femeninas fueron atraídas al cine desde el escenario. En 1950 Bette Davis apareció en Todo sobre Eva. Eso descorchó la botella y, a partir de entonces, aunque los actores de teatro todavía hablaban mal de su implicación en la industria cinematográfica, allí estaba el gran dinero y todos querían una pieza. Elizabeth Taylor, una actriz infantil nacida en Inglaterra, se convirtió en la principal estrella de glamour de la época. Ahora se hacía hincapié en la apariencia más que en la capacidad, pero para llegar a la cima necesitaban ambas cualidades. Ava Gardner, Rock Hudson, Grace Kelly, Stewart Granger, Audrey Hepburn, Clark Gable, Doris Day y otros se convirtieron en los íconos de la época. Marlon Brando entró en escena vestido de cuero a lomos de una motocicleta rugiente en Salvajes (1953) y James Dean, emocionado y canoso, llegó a la pantalla en Rebelde sin causa. Marilyn Monroe mostró con una actuación sin aliento y con faldas arremolinadas, para qué servía realmente el underground neoyorquino y Tony Curtis cambió el personaje de un pequeño imbécil desagradable en El dulce olor del éxito en 1957 a la valiente actuación drag en Some Like It Hot ( 1959).

Mientras el cine estadounidense arrasaba en las pantallas del mundo, la industria cinematográfica británica sobrevivía gracias a la comedia y a dramas tensos, bien escritos pero insuficientemente financiados. Los británicos buscaban cada vez más financiación en Estados Unidos y, por necesidad, obtuvieron una serie de éxitos altamente valorados.

Para los productores estadounidenses, trabajar con empresas británicas tenía dos propósitos. Por un lado, conseguían los fondos auténticos que demandaban los cinéfilos y, por otro, los europeos trabajaban barato. Entre algunas de las mejores coproducciones de esta época se encuentran el drama acuático de Bogart y Hepburn de La reina de África (1951) y Moulin Rouge con la incontenible Zsa Zsa Gabor (1952). El mismo año, Alec Guinness sufrió un colapso mental en The Bridge On The River Kwai. Italia sustituyó a Grecia en Helena de Troya (1956) y España fue Rusia en Guerra y paz.

Es axiomático que las grandes películas necesitan grandes directores. Y había muchos de esos en los años cincuenta. John Houston dejó sus raíces texanas para abordar temas más cosmopolitas, The Asphalt Jungle (1950). La reina africana, Moulin Rouge, Moby Dick (1956). David Lean hizo algunos de sus mejores trabajos en los años cincuenta y principios de los sesenta. The Sound Barrier (1952) tenía a Ralph Richardson y Nigel Patrick luchando con los controles mientras rompían la barrera del sonido, recurrió a Hobson’s Choice para darle a John Mills la oportunidad de probar un acento extraño y terminó la década con The Bridge On The River Kwai. Look Back In Anger (1958) de Tony Richardson fue proclamada como una revolución en el cine. Carol Reed demostró que la comedia no estaba muerta con Nuestro hombre en La Habana (1959) y Orson Welles demostró que tenía un toque de maldad en 1958. Robert Wise tuvo una fiesta de ciencia ficción con El día que la Tierra se detuvo en 1951 y cambió a un valiente Desert Rats en el 53. Willy Wilder demostró que valía su tarjeta verde con Sunset Boulevard, The Seven Year Itch y Some Like It Hot, mientras que William Wyler contraatacó con Roman Holiday (1953), Friendly Persuasion (1956) y el fantástico Ben Hur en 1959. La lista de gigantes directores de los años cincuenta sigue y sigue. La mayoría de ellos continuaron navegando durante los años sesenta y muchos de ellos todavía filmaban en los años setenta y ochenta.

En Gran Bretaña, una compañía cinematográfica poco conocida de Inglaterra dio los primeros pasos hacia la fama mundial. A orillas del Támesis, en una casa reconvertida, Terence Fisher hizo La maldición de Frankenstein en 1957 y le siguió Drácula en 1958, convirtiendo a Hammer Films en un icono internacional. A finales de la década, el garbo de la industria cinematográfica estaba desapareciendo y la escoria de los espantosos años sesenta comenzaba a afianzarse.

Lea la columna de Ingrid todos los martes en BestyGame. El de la semana pasada ya está aquí.